Si bien la música de cámara no requiere edades afines para poder interpretarse, es frecuente que la elección de los compañeros de un conjunto se realice por intereses y criterios comunes. Ya que la música es un medio de expresión, es conveniente que los integrantes de un conjunto tengan edades e intereses comunes. Para esto hemos diseñado categorías dirigida a los estudiantes de música divididos en edades y niveles:
                                              Nivel incial - Nivel medio- Nivel superior

Existen en nuestro país muchas personas que alguna vez estudiaron un instrumento y que no se han dedicado a la música como actividad profesional. Para todos ellos la interpretación de la música de cámara es una necesidad recreativa y expresiva que muchas veces no pueden canalizar por encontrase fuera de los circuitos oficiales. Los niveles de exigencia que estos instrumentistas se planteen también difieren según los intereses de cada individuo. Para todos ellos hemos diseñado estos cursos que les permiten disfrutar de la actividad camarística bajo la guía y dirección de profesionales con una amplia experiencia en este tema.
                                                              Niveles:

PROFESORES

EDGARDO ZOLLHOFER

Nació en Buenos Aires,  donde cursó  estudios de violoncello con el maestro Ramón Vilaclara.
Integró  la  Orquesta Juvenil de Radio Nacional dirigida  por  el maestro Luis Gianneo en calidad de solista.

En 1960 ganó el concurso para ingresar a la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires y en 1979 obtuvo también por concurso el cargo de solista adjunto de la misma orquesta.

Fué  miembro  fundador  del Ensamble Musical de  Buenos  Aires e integrante de la  Camerata Bariloche  (1972-1980).

Actuó como solista con las orquestas Sinfónica de Mar del Plata  y Filarmónica de Buenos Aires. Integra la Academia Bach que dirige el Maestro Mario Videla, En junio de 1984 formó junto a Fernando Hasaj y Marcela Magin el Cuarteto de Cuerdas Buenos Aires. Desde  su debut ,el cuarteto actuó en los principales ciclos  del  Mozarteum Argentino, Wagneriana, Amigos de la Música,etc. Fué galardonado por la Asociación de Críticos Argentinos como el  mejor conjunto de música de cámara del país en tres oportunidades

ANDREA MERENZON

Comenzó sus estudios de fagot con su padre Alberto Merenzon y de música de cámara con Mariano Froggioni. Becada por la Fundación Teatro Colón fué a la Universidad de Indiana (EE. UU.) donde estudió con Sidney Rosemberg, y más tarde se perfeccionó tomando cursos con K.Thunemann (Alemania) y Nöel Devos (Francia).

Obtuvo los primeros premios de los Concursos: "Estímulo Cultural", "Promociones Musicales", "Jóvenes Solistas" Ciudad de Mar del Plata, "Bienal Nacional de Festivales Musicales" y "Mejor interpretación de obra Argentina del Concurso Nacional de Música" Banco Mayo.

Integró como 1er fagot las Orquestas de Radio Nacional y Sinfónica Nacional; desde 1987 integra la Orquesta Filarmónica del Teatro Colón de Buenos Aires y el Quinteto de Vientos Numen. Se presentó en numerosas oportunidades en EE UU, Canadá y Argentina en trío de clarinete, fagot  y piano junto a Paquito D´Rivera.

Como solista actuó con las Orquestas Sinfónicas: Nacional Argentina, Filarmónica de Buenos Aires, de Mar del Plata, de Bahía Blanca, de San Juan, de Córdoba, de Tucumán, de Santa Fé ,de Entre Rios, de Mendoza Latinoamericana de Juventudes Musicales (Uruguay), de Concepción (Chile), de la Universidad de Indiana (EE UU), de Cámara de la Plata y Sinfonietta de París, de Cámara  de Toulouse (Francia), De Adana (Turquía), Nacional Brasilera ( Brasil),  la US Army Symphony (EE UU) y la orquesta de Cámara de la Radio Nacional Rumana (Bucarest-Rumania)

Se ha presentado en recitales y como solista en Francia, Islandia, Uruguay, Brasil, Chile, México, EEUU, Canadá, Turquía y Rumania.

Estrenó en París los conciertos para fagot y orquesta de Julio Pardo, Augusto Rattembach, Roque de Pedro, Astor Piazzolla-Senanes, y Héctor Villa Lobos.

En 1996 fué invitada a tocar como solista con orquesta en la Sala Pleyel de París. Asimismo fué especialmente invitada a los Congresos Internacionales de la IDRS en Talahassee, Chicago, Arizona, Wisconsin, West Virginia, (EE UU) ,Banff Center (Canadá) y Melbourne  (Australia).

Fundó y dirige el Festival Internacional de Buenos Aires (FIMBA) y el Encuentro Internacional de orquestas Juveniles (EIOJ) que cuenta con la participación de reconocidos profesores internacionales.

Organizó el 29º Congreso de la IDRS en Buenos Aires en Agosto de 2000 y fue Vicepresidenta de dicha asociación con sede en USA entre 1997 y 2001.

Recibe el DIPLOMA AL MERITO KONEX en 1999.

Desde 2002 al 2004 estuvo a cargo de la Oficina de de  Programación Sinfónica y de Cámara del Teatro Colón.

Cámara, Música de, música instrumental para conjunto. Consta en general de dos a doce músicos, uno por cada parte melódica, y todas las partes tienen la misma categoría. La música de cámara de alrededor de 1750 estaba principalmente compuesta para cuarteto de cuerdas (dos violines, una viola y un chelo), aunque también han sido populares los dúos, tríos y quintetos, éstos últimos con cuatro instrumentos de cuerda y un piano o un instrumento de viento. Esta música estaba, en principio, destinada a actuaciones privadas. Los conciertos públicos de música de cámara comenzaron a tener lugar sólo a partir del siglo XIX.

La música profana de la edad media y el renacimiento (1450-1600) estaba generalmente compuesta para pequeños conjuntos vocales e instrumentales. La mayoría de las composiciones eran piezas vocales a tres, cuatro y cinco voces. Los grupos instrumentales simplemente tocaban esta música vocal de cámara usando cualquiera de los instrumentos deseados o disponibles en esa época.

El primer gran ejemplo de lo que hoy día identificamos como música de cámara apareció en Inglaterra a finales del siglo XVI y principios del XVII. En esa época se escribió una gran cantidad de música para grupos de cuatro a siete violas, conformando lo que se llamaría viol consort o conjunto de violas. Era una música de carácter íntimo y a menudo intensamente emotiva. Una de las formas más típicas para la cual se ha escrito música de violas es In nomine, una fantasía basada en una vieja melodía de canto llano que se hizo famosa por utilizar las palabras "In nomine Domini" de una misa del compositor John Taverner de principios del siglo XVI. Christopher Tye compuso 20 arreglos de In nomine que revelaron el continuo desarrollo de un estilo instrumental característico. Para ello utilizó la totalidad de las seis cuerdas de las violas y su capacidad para interpretar grandes saltos melódicos. William Byrd escribió 7 arreglos. Esta forma continuó vigente durante el siglo XVII, cuando Henry Purcell produjo dos magistrales arreglos, a seis y siete partes, alrededor de 1680.

En la era del barroco (1600-1750), cobraron importancia, primero en Italia, y más tarde en la Europa más al norte, dos géneros instrumentales: la sonata da chiesa o sonata de iglesia, y la sonata da camera o sonata de cámara. En la música instrumental, así como en la vocal, la textura musical presente en todas las obras consistía en situar una melodía en la parte superior, y apoyarla con el bajo continuo —una melodía de bajo interpretada, por ejemplo, con el chelo o el fagot, cuyas armonías rellenaban el laúd, el clavecín o el órgano—. Los géneros principales de la música de cámara eran las sonatas en trío, en realidad sonatas da chiesa o da camera compuestas para dos violines solistas (o flautas u oboes, a veces dependiendo de la elección de los intérpretes), más un continuo. Las sonatas solistas estaban generalmente escritas para violín y continuo. No obstante, las sonatas en trío también podían tocarse, si así se deseaba, en un conjunto mayor, de seis a ocho intérpretes. Además, se componían cantatas de cámara para voz solista y continuo, así como dúos vocales con continuo, que de hecho sirvieron de modelo a la sonata en trío.

El compositor más destacado del siglo XVII de sonatas en trío y sonatas solistas fue el italiano Arcangelo Corelli, cuyas obras influyeron en la música de cámara de Henry Purcell y, más adelante, del compositor francés François Couperin y el alemán nacionalizado inglés Georg Friedrich Händel, así como en Johann Sebastian Bach. No obstante, en la época de Händel y Bach, se había eliminado la distinción entre las sonatas de iglesia y las de cámara, mientras que la sonata de trío contenía elementos de ambas.

Durante el clasicismo (1750-1820), el compositor austriaco Joseph Haydn escribió música de cámara en un estilo que lo distinguía de otras músicas para conjuntos. Resulta importante destacar que los predecesores del nuevo estilo provenían de géneros de la música ligera vienesa como el divertimento y la serenata. Estas composiciones, interpretadas al aire libre por grupos de instrumentos de cuerda y viento, abandonaron el uso del continuo y, en cambio, utilizaban instrumentos de tesituras intermedias para rellenar las armonías. Haydn estableció el cuarteto de cuerdas como el conjunto de música de cámara por excelencia. La forma en cuatro movimientos de sus cuartetos fue la predominante durante la era del clasicismo. La sonata clásica, como tal, surgió de sus cuartetos marcada especialmente con un juego de forja, complejo e íntimo, entre los cuatro instrumentos. Haydn otorgó a cada uno una condición de igualdad, sin utilizar ninguno de ellos como simple relleno armónico. Sus cuartetos de cuerda influyeron, y fueron influidos, por los de su compatriota Wolfgang Amadeus Mozart. Su sucesor, Ludwig van Beethoven, alargó enormemente las dimensiones del cuarteto de cuerdas, a la vez que preservó su carácter íntimo.

La música de cámara del romanticismo (1820-1900) fue desarrollada, especialmente, por aquellos compositores que fusionaron este estilo con cierta inclinación clásica. Ejemplos de ello son el austriaco Franz Schubert y el alemán Johannes Brahms. Durante este periodo, Schubert, Schumann y Brahms continuaron cultivando la forma del trío para piano, violín y chelo que habían establecido Haydn y Beethoven. Pero también comenzaron a establecerse otras combinaciones instrumentales, diferentes del cuarteto de cuerdas, como el quinteto de cuerdas (un cuarteto al que se añadía una viola o chelo adicionales), el sexteto de cuerdas (con viola y chelo adicionales), y el cuarteto para piano (piano más tres instrumentos de cuerda). Quizá la evolución más importante haya sido la consolidación de la sonata para instrumento melódico acompañado por piano. Una vez más la figura que hay que destacar es Beethoven, que compuso 10 sonatas para violín de este estilo, así como 5 para chelo, que son el modelo para sus seguidores. Schumann, Mendelssohn y Brahms, con sus sonatas para violín, chelo o (en el caso de Brahms) clarinete, dieron un nuevo sentido de profundidad y seriedad a unas formas que derivaban en parte de la sonata solista del barroco, pero también de los ligeros divertimentos vieneses.

En el siglo XX surgieron varias tendencias en la música de cámara. Los géneros clásicos como los cuartetos de cuerdas acusaron la influencia de idiomas y técnicas contemporáneas en los trabajos de los compositores franceses Claude Debussy y Maurice Ravel, del húngaro Béla Bartók, cuyos 6 cuartetos de cuerdas forman una de las contribuciones más importantes a la música de cámara del siglo XX, de los austriacos Arnold Schönberg y Anton von Webern, del compositor soviético Dmitri Shostakóvich y del estadounidense Elliott Carter. Los conjuntos de música de cámara de composición variada —incluyendo instrumentos como las voces, el arpa, la guitarra, los vientos o la percusión— se convirtieron en los principales vehículos para la nueva música de compositores como Schönberg, Webern, Ígor Stravinski, Benjamin Britten o Pierre Boulez. La música de cámara, que una vez fue el campo propio de los aficionados, se ha convertido, como la música de orquesta, en el terreno exclusivo de los músicos profesionales.